„Covid hatte Gewinner und Verlierer, und in der Kunst werden diejenigen, die sich neu erfinden, in einer Art Charles Darwin-Mentalität, die Gewinner sein.“
Diese jüngste Einschätzung des Bankiers und Philanthropen John Studzinski wurde im August letztes Jahres vom Geschäftsmann Ed Warner noch deutlicher zum Ausdruck gebracht: „Was auch immer die Zukunft bringt, es sind die Unternehmen, die Wagnisse eingegangen sind, während die Konkurrenz zauderte, die von ihren Kunden und Klienten belohnt werden - die Kneipe, die am 4. Juli öffnete, während andere im Dunkeln blieben, der Berater, der über den Lockdown hinweg in Kontakt blieb, der Sport, der den Weg zurück auf Ihren Bildschirm fand, während andere den Sommer schon abgeschrieben hatten. Die einen machten sich einen Ruf und andere gingen irreparabel zugrunde“.
Die darstellenden Künste waren besonders anfällig für das Verbot öffentlicher Versammlungen im vergangenen Frühjahr, aber die meisten waren mit gutem Willen und der Unterstützung ihrer Interessenvertreter widerstandsfähig genug, um Schließungen von begrenzter Dauer standzuhalten. Für diejenigen, die so hart daran gearbeitet haben, mit neu gestalteten Programmen für die neue Spielzeit wieder zu öffnen, war die zweite Welle doppelt entmutigend. Dies gilt umso mehr für die Künstler*innen, die ihrer Existenzgrundlage beraubt wurden. Wie Simon Rattle sagte: „Das Wichtigste ist, die Freiberufler nicht nur zu unterstützen, sondern ihnen auch wirklich Arbeit zu geben“.
Die Opernhäuser haben erfinderisch Programme entwickelt, um den Kontakt zum Publikum aufrechtzuerhalten. Ständig wechselnde Bedingungen haben sie gezwungen, sich anzupassen, und das kostet Geld und Zeit. Dennoch bleibt es notwendig, über die unmittelbaren Hindernisse hinauszublicken und eine Zukunft zu planen, in der sich die Welt verändert haben wird. Manch einer mag argumentieren, dass die Entdeckung von Impfstoffen und die Herdenimmunität, die letztendlich erreicht werden könnte, die Wiederaufnahme früherer Gewohnheiten ermöglichen wird. An einigen Orten mag das geschehen, aber für viele wird der Schock des Jahres 2020 als böses Erwachen oder als Vorlauf zu den Realitäten wirken, die im zweiten Viertel des 21. Jahrhunderts vorherrschen werden.
Die Oper muss ihren legitimen Platz in der modernen Gesellschaft rechtfertigen. Der weitgehend sozialdemokratische Konsens, der Europa während des Friedens nach dem Zweiten Weltkrieg beherrschte, ist gebrochen. Demokratisch gewählte Regierungen, die um die Rückzahlung der während des Ausbruchs der Pandemie angehäuften Schulden kämpfen, werden die Proportionen und Parameter der öffentlichen Subventionen in Frage stellen und auf Veränderungen in der gesellschaftlichen Wahrnehmung und dem Zweck der Oper reagieren. Anstatt ihr Recht auf Überleben zu verteidigen, muss die Oper den Wert, den sie der Gesellschaft bringt, unter Beweis stellen.
Wie nachhaltig ist die Oper? Diese Frage kann auf ihr anfälliges Wirtschaftsmodell angewandt werden, das durch die Erosion des Kartenverkaufs zusätzlich geschwächt wurde. Aber sie hat auch Auswirkungen auf die Umwelt. Eine Industrie, die von internationalen Koproduktionen, Tourneen großer Ensembles und um die Welt reisenden Künstler*innen abhängig ist, trägt kaum zur grünen Agenda bei. Große Theater sollten sich aktiv um den Übergang zur Post-CO2-Wirtschaft bemühen, bevor sie per Gesetz dazu gezwungen werden. Wie viele Materialien werden nicht recycelt, sondern weggeworfen, was zu den Abfällen beiträgt, die den Planeten verwüsten? Die Oper sollte ihr Gewicht nach vorne verlagern, indem sie Entwicklungen vorwegnimmt, statt auf sie zu reagieren.
Paradoxerweise liegt die Lösung darin, gleichzeitig lokaler und globaler zu werden. Auf der einen Seite müssen wir die einheimischen Reserven pflegen und recyceln, auf der anderen Seite müssen wir die Technologie nutzen, um die Ergebnisse mit der Welt zu teilen.
Zu den Entdeckungen des World Opera Day 2020 gehörten der Reichtum an jungen Talenten und die Wertschätzung der Oper auf sechs Kontinenten. Betrachtet man jedoch die Zusammensetzung der meisten Orchester und derer, die auf oder hinter der Bühne, geschweige denn im Management oder im Vorstand arbeiten, müssen wir erkennen, dass die Oper noch einen langen Weg vor sich hat, bevor sie eine reale Chancengleichheit erreicht. Die Ironie liegt darin, dass die einzigen Kriterien, die eine*n Künstler*in ausmachen, Talent und harte Arbeit sind, unabhängig von Geschlecht, ethnischer Zugehörigkeit oder sozioökonomischem Hintergrund. In den letzten Jahren ist die Zahl der Ernennungen von Dirigentinnen, Regisseurinnen und Managerinnen deutlich gestiegen, aber die Chancen für den Berufseinstieg sind für weite Teile der Gesellschaft viel zu gering. Ein wirkliches Gleichgewicht kann zwar nicht von heute auf morgen geschaffen werden, aber der Prozess hin zu diesem Gleichgewicht muss intensiviert werden. Beispiele für positive Diskriminierung wie die Birmingham Opera Company und das Orchester Chineke! zeigen, dass dies möglich ist.
Das Verhältnis zwischen Live-Performance und digitaler Aufzeichnung hat sich geändert. Wie kann sie zum Nutzen der Künstler*innen und des Publikums genutzt werden? Die digitale Transformation umfasst mehr als das Streaming von Aufführungen für diejenigen, die sie nicht live im Theater besuchen können. OperaVision und andere Plattformen stellten während der Theaterschließungen eine Art Rettungsanker dar, aber sie replizieren weder das Live-Erlebnis noch generieren sie signifikante Einnahmen. Das Netflix-Abonnementmodell ist verlockend, kann aber nicht einfach auf die Oper übertragen werden; allerdings werden die Produzent*innen weiterhin Möglichkeiten zur Monetarisierung des Streaming erkunden, sowohl für ihre eigenen kommerziellen Zwecke als auch als mögliche Rückzahlung für die sekundären Rechte von Autor*innen und Interpret*innen. Ein solches Stufen-System dürfte in einem Umfeld, das von YouTube und anderen Websites, die von Werbeeinnahmen getragen werden, dominiert wird, kaum lohnende Erträge abwerfen. Besser ist es, anzuerkennen, dass wir in einer pluralistischen Welt leben, in der eine Aufführung kein einmaliges Ereignis ist, sondern ein Ereignis, das während und nach seinem spezifischen Zeitabschnitt auf unzählige Arten neu gestaltet werden kann. Die Künstler*innen von morgen werden gezwungen sein, neben der musikalischen und technischen Ausbildung auch technisch versierter zu werden, was zu Bildungs- und Werbezwecken beitragen wird. Dies sind sie der Gesellschaft schuldig, die dazu beiträgt, ihre Ausbildung und Beschäftigung zu sichern.
Opera Europa arbeitet zusammen mit der philanthropischen Organisation FEDORA an einer ehrgeizigen Initiative, um Investitionen anzuziehen, mit denen Operngesellschaften in ganz Europa einen Anstoß für Veränderungen in den nächsten fünf Jahren in den Bereichen Nachhaltigkeit, Gleichberechtigung und digitale Transformation geben sollen.
Die Opernproduzent*innen können sich zu einer Reform verpflichten, aber was ist mit den Konsument*innen? Eine Neupositionierung oder ein Rebranding wird sich nicht lohnen, wenn der Appetit fehlt. Was ist, wenn die Auswirkungen der Pandemie Künstler*innen dazu veranlasst haben, ihre Karriere aufzugeben, und das Publikum vor dem Besuch von Aufführungen zurückschreckt? Wie viel können wir aus dem, was jetzt geschieht, extrapolieren, und wie verlässlich sind Vorhersagen für die Zukunft?
Die Menschen werden mehr und mehr Zeit in der Freizeit statt am Arbeitsplatz verbringen. Das hat John Maynard Keynes 1930 in seinen Economic Possibilities for our Grandchildren (Wirtschaftliche Möglichkeiten für unsere Enkelkinder) vorausgesagt, 15 Jahre bevor er den Arts Council of Great Britain mitbegründete. Die Verkürzung der gesetzlichen Arbeitszeiten, kürzere Arbeitswochen, die Verlagerung hin zur Gig Economy und Job Shares, die Entwicklung der künstlichen Intelligenz - all dies sind Faktoren, die dazu beitragen, dass Keynes' Enkelkinder mehr Zeit zur freien Verfügung haben werden. Aber es wird einen starken Wettbewerb um einen Teil dieser Zeit geben. Wie positioniert sich die Oper auf dem Markt?
Versuchen wir uns vorzustellen, wie die Geschmäcker künftiger Generationen sein werden, die weniger daran gewöhnt sind, drei Stunden in einem abgedunkelten Theater zu verbringen. Warum sollten diejenigen, die über die Zeit, das Geld und die Neigung verfügen, die Oper aus dem Kulturmenü wählen? Es mag für diejenigen, die mit der Aufmerksamkeitsspanne der sozialen Medien aufgewachsen sind, wie ein beeindruckender Vorschlag aussehen. Bedeutet das, dass sie die Oper in mundgerechten Stücken aufnehmen wollen, bevor sie das Risiko eingehen, völlig darin einzutauchen? Der Trend im Sprechdrama und im modernen Tanz geht bereits zu kürzeren Programmen von 70 bis 90 Minuten Dauer. Jüngste Corona-sichere Opernaufführungen ohne Pause bieten einaktige Opern oder gekürzte Versionen.
In welchem Stadium wird die Oper die Virtuelle Realität einbeziehen? Die technischen Möglichkeiten werden rasch entwickelt und dürften irgendwann einen Massenmarkt finden. Wann wird der optimale Zeitpunkt für Operngesellschaften sein, zu investieren: bevor oder nachdem sie darauf gewartet haben, dass andere zuerst Fehler machen? Der niederländische Komponist und Filmemacher Michel van der Aa ist ein europäischer Pionier, und seine nächste Oper Upload ist für das Opera Forward Festival in Amsterdam im Frühjahr dieses Jahres geplant. Das Projekt der Dutch National Opera, das mit Köln, Bregenz und Armoury in New York durchgeführt wird, ist zu begrüßen. Die Gefahr eines beharrlichen Festhaltens an traditionellen Formen besteht darin, dass es einem Unternehmer ohne Opernkenntnisse die Möglichkeit eröffnet, einzusteigen und eine Marktlücke zu nutzen.
Auch wenn die Technologie einige Arbeitsplätze verdrängen mag, ist es unwahrscheinlich, dass die Darsteller*innen durch künstliche Intelligenz ersetzt werden. Aber vielleicht müssen sie vielseitiger werden. Es gibt große Institutionen, die Opern- und Ballettkompanien, die zwei oder mehr Theater in den großen Hauptstädten besetzen, miteinander verbinden, aber sie können restriktive Praktiken schaffen und Veränderungen hemmen. Es kann einfacher sein, kleinere oder mittlere Unternehmen auf flexibleren Wegen umzustrukturieren. Bernard Foccroulle plädiert für die Ernennung einer breit gefächerten Auswahl von Artists-in-Residence für einen Zeitraum von drei Jahren, die als treibende Kraft für innovative Ideen innerhalb der Organisation fungieren sollen.
Es entwickelt sich bereits eine Gegenkultur der Menschen, die ihre Smartphones weglegen, um qualitativ hochwertige Zeit mit anderen Menschen zu verbringen. Dies fördert den Abbau von Barrieren zwischen Amateuren und Profis. Die partizipative Oper hat die Macht, diejenigen anzusprechen, die vielleicht nie erwartet hätten, einfach nur Opern zu sehen oder zu hören. Sie fördert sowohl das Streben als auch die Teilhabe.
Die Oper wird nicht überleben, wenn sie die Zugbrücke hochzieht. Ohne Kompromisse bei den Standards einzugehen, muss sie offen sein für Partnerschaften mit Sendern, Filmproduzent*innen und anderen digitalen Medien. Wenn ich noch einmal meine Zeit als Opernmanager hätte, würde ich mich dafür entscheiden, in ein Kernteam von vielleicht einem Dutzend junger Sängerinnen und Sänger sowie anpassungsfähiger Musiker*innen und kreativer Künstler*innen zu investieren, um ein flexibles Ensemble zu bilden, das eine Mischung aus historischen und zeitgenössischen Stücken überall in einem bestimmten geografischen Gebiet aufführen kann. Und ich würde Allianzen mit Fernsehen, Radio, Kinos und Streaming-Diensten, mit Schulen, Hochschulen, Freizeitzentren und lokalen Behörden eingehen, alles mit dem gemeinsamen Ziel, das Werk in einem breiteren und pluralistischeren Publikum bekannt zu machen.
Andere werden andere Ambitionen haben. Einige meiner Vorhersagen werden sich als unhaltbar erweisen. Auf jeden Fall ist es besser, dass es mehrere Versuche gibt. Aber ich bin ziemlich sicher, dass sich die Oper neu erfinden muss, wenn die Gattung im digitalen Zeitalter überleben soll.
Nicholas Payne
Dieses Stück wurde für die Januar-Ausgabe der Zeitschrift OPERA geschrieben und wird hier mit Genehmigung des Herausgebers veröffentlicht.