El primer día de la conferencia en el espectacular Teatro de la Ópera de Copenhague fue inaugurado por Kasper Holten, CEO del Det Kongelige Teater.
Su discurso inaugural fue una presentación cautivadora, inspiradora, provocadora de pensamiento y ingeniosa de su visión sobre los desafíos de dirigir una ópera en la actualidad. ¿Cómo podemos ser relevantes mientras competimos con otras formas de arte y entretenimiento, muchas de las cuales ni siquiera existían durante la mayor parte de los 400 años de historia de la ópera? ¿Cómo debemos abordar a diferentes grupos en una sociedad en constante cambio? ¿Cómo gestionar una institución en un entorno difícil para que siga siendo financieramente estable y eficiente? El discurso de Kasper fue el punto de partida perfecto para el programa de este año, basado en la gran pregunta: ¿cómo debemos dirigir nuestros "barcos" en aguas turbulentas?
"Haz un deseo para fomentar la creación en la ópera" fue una solicitud de la moderadora Hannah Griffiths a los ponentes de la primera sesión, quienes "soplaron velas" para que la ópera se vuelva más sensible y relevante para el tiempo presente y sus desafíos. Los desafíos incluyen la generación de muchas nuevas posiciones en los próximos años y el surgimiento de artistas prometedores que puedan disfrutar de carreras largas y prósperas, todo esto fomentando la colaboración y la conexión con el público. Los artistas emergentes requieren apoyo, tutoría y orientación a medida que dan sus primeros pasos en la industria, y se necesita un entorno que fomente la creatividad. También necesitan el tiempo y el espacio necesarios para desarrollar su arte y deben ser apoyados desde una perspectiva de "cocción lenta". Todos debemos aspirar a ser lugares de trabajo que permitan la experimentación y la asunción de riesgos, donde los artistas puedan expresarse plenamente sin el temor al fracaso. En cuanto al desarrollo de audiencia, se alienta a los teatros a trasladar nuevas producciones desde escenarios más pequeños a sus escenarios principales y a alejarse de la seguridad de las óperas tradicionales y conocidas. Este cambio en el pensamiento, de "obtener una audiencia" a "crear una audiencia", es esencial.
Simultáneamente con las sesiones principales, el Teatro de la Ópera de Copenhague albergó una reunión de nuestro foro Técnico y de Producción, que tuvo lugar durante los dos primeros días de la conferencia. Los directores técnicos de varias compañías miembros discutieron los desafíos de planificar y financiar renovaciones, modificaciones técnicas y reformas en sus teatros. Intentaron definir el equilibrio entre la producción eficiente y la compresión de recursos, así como abordar el tema de la diversidad dentro de los equipos técnicos. Esta parte de la conferencia incluyó un recorrido fascinante por los impresionantes espacios detrás del escenario del teatro.
Los participantes de la primera sesión del segundo día de la conferencia representaron a algunas de nuestras compañías miembro líderes en la transformación orientada hacia la sostenibilidad. ¿Cuál es uno de los problemas más apremiantes para las óperas de todo el mundo? El impacto financiero del aumento de los costos de energía y las elecciones de producción sostenible. Las compañías han buscado y, en muchos casos, aplicado con éxito formas innovadoras de limitar el consumo de electricidad. Lo que quedó muy claro fue la diferencia en la situación de algunas compañías basada en la estructura de suministro de energía de sus países, como la proporción entre los combustibles fósiles y las energías renovables (Francia vs. Suecia). Las ideas para abordar estos desafíos incluyeron innovaciones técnicas para los edificios y los escenarios, así como actividades más innovadoras, como asociaciones con instituciones públicas y proveedores de energía.
Desafortunadamente, cada vez más de nuestros miembros se enfrentan a recortes desafiantes y, al mismo tiempo, deben cultivar el apoyo público. Una de las sesiones principales trató precisamente de ese tema candente y fue una discusión emocionante que involucró a toda la sala. Lo que la hizo aún más interesante fue la participación de Steinunn Ragnarsdóttir de la Ópera de Islandia, que actualmente atraviesa dificultades debido a los propuestos recortes de financiamiento a corto plazo. Todos estamos de acuerdo en que crear una herramienta de defensa ampliamente aplicable sería una buena estrategia para enfrentar tales desafíos, lo que se alinea con la reciente decisión de Opera Europa de establecer un comité relevante.
¿Quiénes son los jóvenes que eligen una carrera en la ópera y qué tipo de capacitación se les debe ofrecer? ¿Cómo pueden ser creativos los programas para jóvenes artistas y asegurar la sostenibilidad de nuestra forma de arte? El World Café sobre programas para jóvenes artistas reunió comentarios y perspectivas diversas de los propios artistas emergentes y de los teatros que están iniciando o tienen un marco de trabajo de larga data para artistas emergentes. Esto incluye la creación de un entorno seguro donde los artistas puedan expresarse, experimentar y cometer errores. El proceso de audición debe diseñarse para permitir suficiente tiempo para conocer a los artistas, teniendo en cuenta también la diversidad y la inclusión. La tutoría y las relaciones continuas con los artistas después de que se gradúen de nuestros programas son cruciales; se debe alentar a los participantes a moverse entre diferentes compañías de ópera. Una de las recomendaciones sugería que Opera Europa también podría actuar como un recurso y una red de apoyo para los artistas emergentes.
¿Son los concursos un socio subestimado para el futuro de la industria de la ópera? Los ponentes en el panel se refirieron a ello como "el mal necesario". Lo ven como algo entre una forma efectiva para que los artistas se expongan y una forma de devaluar el arte. Los concursos se crearon para dar una oportunidad a cualquiera de exponerse a la industria, lo cual ya no es el caso hoy en día con las redes sociales. Dado que competir en el arte es puramente subjetivo, ¿puede haber una prueba métrica holística de cómo deben interpretarse las canciones? En lugar de necesitar una advertencia antes de la palabra "competencia", la experiencia debería ser enriquecedora.
Los costos de las producciones de ópera han aumentado, especialmente después de la pandemia de Covid-19. Los teatros de ópera y teatros de todo el mundo sufrieron pérdidas devastadoras y cargas financieras durante ese período. Sin embargo, otra sesión abordó la fase actual de recuperación y la búsqueda activa de fuentes alternativas de ingresos para garantizar la sostenibilidad a largo plazo. Esto incluye la colaboración con líderes empresariales, el cultivo de relaciones con amigos y partidarios, y la exploración de nuevas vías. Para que los teatros de ópera sean más atractivos para inversores y socios comerciales, la frescura y la innovación de los proyectos deben ser un factor clave. Mantener asociaciones a largo plazo con estos colaboradores es fundamental. Esto se puede lograr invitándolos regularmente a participar, adaptando proyectos para mantenerlos involucrados y dedicando tiempo y gestión suficientes para realizar su interés compartido en el arte como medio para enriquecer la sociedad. Los teatros también están reduciendo costos mediante coproducciones y alquileres, y encontrando nuevos ingresos en la venta de productos, giras, eventos especiales y experiencias gastronómicas.
La actuación nocturna de Don Giovanni en la Ópera de Malmö, el anfitrión maravillosamente hospitalario del último día de la conferencia, fue la oportunidad perfecta para abrir las sesiones del foro Artístico y de Producción con una discusión sobre estereotipos de género y raciales en la ópera. La soprano Natasha Agarwal recordó a la audiencia que no se gana nada con la tipificación; los cantantes de color deberían tener la oportunidad de ser elegidos para todos los roles. Si bien es maravilloso representar la propia cultura a través de la ópera, no puede ser el único espacio en el que el cantante exista. Uno de los puntos clave de la sesión fue reconocer que la diversidad no debe limitarse solo a la elección de los cantantes, sino que las personas que toman las decisiones creativas deben estar bien familiarizadas con las culturas que se representan en las producciones, ya que los estereotipos provienen de una comprensión insuficiente. No se trata de decisiones correctas o incorrectas: se trata de diálogo. "Nada en la ópera es particularmente realista, así que en términos de casting realmente no se puede comparar con la televisión y el cine, donde se espera que las familias se vean iguales; en el escenario, debemos confiar en que el público use su imaginación", dijo Natasha ante un público aplaudidor.
La sesión sobre un entorno de producción seguro se centró principalmente en el uso y los beneficios de un código de conducta para invitados y personal. Tener un código de conducta formal es una forma de expresar el compromiso de garantizar que todo el personal y los invitados sean tratados con dignidad y respeto. Algunos teatros presentaron su código de conducta al personal abordándolo verbalmente, por ejemplo, al comienzo de un período de ensayos, o presentando un documento para ser firmado al comienzo del empleo. Los teatros que participaron en el panel proporcionan a su personal la posibilidad de informar sobre comportamientos inapropiados a través de un informe anónimo. Durante la discusión, muchos participantes estuvieron de acuerdo en que podría ser útil crear una definición de comportamiento responsable para que quede claro para el personal cuáles son los valores deseados del teatro: es decir, integridad, honestidad, aprecio, respeto, cortesía, inclusión, equidad y creatividad con libre expresión fueron mencionados. Sin embargo, se debe tener en cuenta que los conflictos debido a decisiones o interpretaciones relacionadas con el trabajo, y las medidas disciplinarias justificadas, no deben considerarse comportamientos inapropiados.
La siguiente sesión de AAP se refería a la producción con un coordinador de intimidad para escenas delicadas que involucran desnudez, actividad sexual o abuso, con ejemplos de casos de Francia y Nueva Zelanda. El objetivo principal de un coordinador de intimidad es aumentar el nivel de conocimiento para garantizar un entorno seguro y respetuoso al trabajar en escenas íntimas para reducir los riesgos involucrados. El comienzo mismo del proceso es definir el contexto de la escena y lo que pretende transmitir en función de una evaluación objetiva. El coordinador de intimidad actúa como un interlocutor para el director para contar la historia que desean contar de manera segura.
Durante la última sesión de AAP, los representantes de St. Gallen y Malmö intentaron responder a la pregunta de cómo manejar lo impredecible, abordando el estrés y las horas extras dentro del proceso de producción. Mejorar la comunicación de la gerencia en todos los departamentos fue un tema clave. Saber cuándo decir "no" a algo es crucial más allá de cualquier medida. La Ópera de Malmö tiene como objetivo no tener más de 3 producciones en marcha al mismo tiempo, asegurando que el personal esté vital y motivado. Dar al equipo técnico horarios estrictos para cada departamento al comienzo de una producción es un ejemplo de comunicación eficiente dentro de la empresa.
Paralelamente a las sesiones de AAP, Malmö también fue el lugar de la reunión del foro de Audio-Visual y Digital. Las presentaciones se centraron en nuevas técnicas de filmación destinadas a brindar experiencias más inmersivas. El enfoque estaba en colocar estratégicamente cámaras más cerca del escenario sin molestar a la audiencia y a los artistas. Se mostraron fragmentos para ilustrar estas técnicas, que incluyeron una mezcla de tomas de ensayos con cámaras en el escenario y tomas de actuaciones en vivo con cámaras ubicadas entre el público para crear videos inmersivos. También se exploraron dos temas principales del ámbito de la ópera digital: el uso de aplicaciones especializadas para el público y el concepto de Metaverso. Irish National Opera presentó la aplicación Isolde: una solución basada en la nube diseñada para gestionar y sincronizar experiencias de audio y video compartidas para producciones artísticas, con el objetivo de hacer que la ópera sea más accesible y abierta a nuevos públicos. Otra pregunta clave abordada fue cómo hacer que la ópera sea más atractiva para los jóvenes y alinearla con sus intereses. El proyecto Metaverse tenía como objetivo lograr esto creando una experiencia operística similar a los videojuegos, centrándose en la inmersión en 3D en lugar de la transmisión tradicional. Este proyecto tiene la intención de conectar a personas de diferentes partes del mundo para lograr un impacto global. Emplea avatares personalizados y un chat en vivo interactivo dentro de una ópera entretenida de una hora para involucrar y cautivar a las generaciones más jóvenes.
La conferencia de otoño fue un éxito indiscutible. A lo largo de tres soleados días de octubre, 380 participantes tomaron parte en 25 sesiones en dos hermosas ciudades escandinavas. Sabemos dónde estamos parados y cuáles son los desafíos que tenemos por delante.
¡Nos vemos en Viena!