La première journée de la conférence dans le spectaculaire Opéra de Copenhague a été ouverte par Kasper Holten, directeur du théâtre royal du Danemark.
Son discours d'ouverture était une présentation engageante, inspirante, stimulante et pleine d'esprit de son point de vue sur les défis de la gestion d'un opéra aujourd'hui. Dans quelle mesure sommes-nous pertinents face à la concurrence d’autres formes d’art et de divertissement, dont beaucoup n’existaient même pas pendant la majeure partie des 400 ans d’histoire de l’opéra ? Comment devrions-nous nous adresser aux différents groupes dans une société en évolution ? Comment gérer une institution dans un environnement difficile, pour qu’elle reste financièrement stable et efficace ? Le discours de Kasper a été un coup d’envoi parfait pour le programme de cette année basé sur la grande question : comment diriger nos « navires » en eaux troubles ?
« Faire un vœu pour encourager la création dans l'opéra » était une demande de la modératrice Hannah Griffiths aux intervenants de la première session, qui ont « soufflé les bougies » pour que les opéras deviennent plus sensibles et pertinents à l'époque actuelle et à ses défis. Les défis consistent notamment à générer de nombreux nouveaux postes dans les années à venir et à donner naissance à des artistes prometteurs qui pourraient connaître des carrières longues et prospères, tout en favorisant la collaboration et la connexion avec le public. Les artistes émergents ont besoin de soutien, de mentorat et de conseils lorsqu’ils font leurs premiers pas dans l’industrie, et un environnement propice à la créativité est nécessaire. Ils ont également besoin du temps et de l’espace nécessaires pour développer leur métier et doivent être soutenus dans une perspective de « cuisson lente ». Nous devrions tous viser à devenir des lieux de travail qui permettent l’expérimentation et la prise de risques, où les artistes peuvent s’exprimer pleinement sans craindre l’échec. En termes de développement du public, les maisons sont encouragées à déplacer les nouvelles productions des petites scènes vers leurs salles principales et à rester à l'écart de la sécurité des opéras traditionnels bien connus. Ce changement de mentalité, passant de « obtenir un public » à « créer un public », est essentiel.
Parallèlement aux sessions principales, l'Opéra de Copenhague a accueilli une réunion de notre forum technique et production, qui s'est déroulée pendant les deux premiers jours de la conférence. Les responsables techniques d'un certain nombre d'entreprises membres ont discuté des défis liés à la planification et au financement des rénovations, des modifications techniques et des rénovations dans leurs maisons. Ils ont tenté de définir l’équilibre entre production efficace et compression des ressources, ainsi que d’aborder le thème de la diversité au sein des équipes techniques. Cette partie de la conférence comprenait une visite fascinante des impressionnants coulisses de la maison.
Les participants à la première session de la deuxième journée de la conférence représentaient certaines de nos entreprises membres leaders dans la transformation orientée vers le développement durable. Quelle est l’une des questions les plus brûlantes pour les opéras du monde entier ? L’impact financier de la hausse des coûts énergétiques et des choix de production durables. Les entreprises ont recherché, et très souvent appliqué avec succès, des moyens innovants pour limiter la consommation d'électricité. Ce qui était très clair, c’était une différence dans la situation de certaines entreprises en fonction de la structure d’approvisionnement énergétique de leur pays, comme par exemple la proportion entre les combustibles fossiles et les énergies renouvelables (France contre Suède). Les idées pour relever ces défis comprenaient des innovations techniques pour les bâtiments et les scènes, ainsi que des activités plus innovantes, telles que des partenariats avec des institutions publiques et des fournisseurs d'énergie.
Malheureusement, de plus en plus de nos membres sont confrontés à des coupes financières et, en même temps, doivent cultiver le soutien du public. L’une des séances principales était consacrée à cette question brûlante et a donné lieu à une discussion qui a engagé toute la salle. Ce qui a rendu l'événement encore plus intéressant a été la participation de Steinunn Ragnarsdóttir de l'Opéra islandais, qui est actuellement en difficulté en raison des réductions de financement proposées à court terme. Nous sommes tous d’accord sur le fait que la création d’un outil de plaidoyer largement applicable serait une bonne stratégie pour relever de tels défis, ce qui correspond à la récente décision d’Opera Europa de créer un comité du conseil d’administration compétent.
Qui sont les jeunes qui choisissent une carrière dans l’opéra et quelle formation leur proposer ? Comment les programmes de jeunes artistes peuvent-ils faire preuve de créativité pour assurer la durabilité de notre forme d’art ? Les programmes du World Café sur les jeunes artistes ont recueilli divers commentaires et perspectives d’artistes émergents eux-mêmes et de maisons qui lancent ou qui disposent depuis longtemps d’un cadre pour les artistes émergents. Cela inclut la création d’un environnement sûr où les artistes peuvent s’exprimer, expérimenter et commettre des erreurs. Le processus d'audition doit être conçu pour accorder suffisamment de temps pour faire connaissance avec les artistes tout en tenant compte de la diversité et de l'inclusion. Le mentorat et les relations continues avec les artistes une fois qu'ils ont obtenu leur diplôme de nos programmes sont cruciaux ; les participants devraient être encouragés à se déplacer entre différentes compagnies d’opéra. L'une des recommandations suggérait qu'Opera Europa puisse également servir de ressource et de réseau de soutien pour les artistes émergents.
Les concours, un partenaire sous-estimé pour l’avenir de l’industrie lyrique ? Les intervenants du panel l’ont qualifié de « mal nécessaire ». Ils y voient un moyen intermédiaire entre un moyen efficace pour les artistes de s'exposer et un moyen de dévaloriser l'art. Des concours ont été créés pour donner la chance à chacun d’être exposé à l’industrie, ce qui n’est plus le cas aujourd’hui avec les réseaux sociaux. La compétition artistique étant purement subjective, peut-il exister un test métrique holistique de la manière dont les chansons doivent être interprétées ? Plutôt que d’avoir besoin d’un avertissement avant le mot « compétition », l’expérience devrait être enrichissante.
Les coûts des productions d’opéra ont augmenté, notamment au lendemain de la pandémie de Covid-19. Les opéras et les théâtres du monde entier ont subi des pertes et des charges financières dévastatrices au cours de cette période. Néanmoins, une autre séance a abordé la phase actuelle de reprise et la recherche active de sources alternatives de revenus pour assurer la durabilité à long terme. Cela implique de nouer des partenariats avec des chefs d’entreprise, d’entretenir des relations avec des amis et des sympathisants et d’explorer de nouvelles voies. Pour rendre les opéras plus attrayants aux yeux des investisseurs et des partenaires commerciaux, la fraîcheur et l'innovation des projets devraient être un facteur clé. Il est essentiel de maintenir des partenariats à long terme avec ces collaborateurs. Cela peut être réalisé en les invitant régulièrement à participer, en adaptant les projets pour les maintenir impliqués et en investissant suffisamment de temps et de gestion pour réaliser leur intérêt commun pour l'art comme moyen d'enrichir la société. Les maisons réduisent également leurs coûts grâce aux coproductions et aux locations, et trouvent de nouveaux revenus grâce au merchandising, aux tournées, aux événements spéciaux et aux expériences culinaires.
La représentation nocturne de Don Giovanni à l'Opéra de Malmö, l'hôte merveilleusement hospitalier du dernier jour de la conférence, a été l'occasion idéale d'ouvrir les sessions du forum Artistique et Production par une discussion sur les stéréotypes de genre et raciaux dans l'opéra. La soprano Natasha Agarwal a rappelé au public qu'il n'y a rien à gagner à la transtypage ; les chanteurs de couleur devraient avoir la possibilité de jouer tous les rôles. Même s'il est merveilleux de représenter sa propre culture à travers l'opéra, celui-ci ne peut pas être le seul espace dans lequel le chanteur peut exister. L'un des points clés de la session était de reconnaître que la diversité ne devrait pas se limiter au seul casting - les personnes qui prendre des décisions créatives doit bien connaître les cultures représentées dans les productions, car les stéréotypes proviennent d'une compréhension insuffisante. Il ne s’agit pas de bonnes ou de mauvaises décisions : il s’agit de dialogue. « Rien dans l’opéra n’est particulièrement réaliste, donc en termes de casting, il ne peut vraiment pas être comparé à la télévision et aux films, où les familles sont censées se ressembler ; sur scène, nous devons faire confiance au public pour utiliser son imagination », a déclaré Natasha au public applaudissant.
La session sur un environnement de production sûr portait principalement sur l'utilisation et les avantages d'un code de conduite pour les invités et le personnel. Avoir un code de conduite formel est un moyen d'exprimer son engagement à garantir que tout le personnel et les invités soient traités avec dignité et respect. Certaines maisons ont présenté leur code de conduite au personnel en l'adressant verbalement, par exemple au début d'une période de répétition, ou en présentant un document à signer au début de l'emploi. Les maisons qui ont participé au panel offrent à leur personnel la possibilité de signaler un comportement inapproprié via un signalement anonyme. Au cours de la discussion, de nombreux participants ont convenu qu'il pourrait être utile de créer une définition du comportement responsable afin que le personnel sache clairement quelles sont les valeurs souhaitées pour la maison : c'est-à-dire l'intégrité, l'honnêteté, l'appréciation, le respect, la politesse, l'inclusion, l'équité et la créativité. avec la liberté d'expression ont été évoquées. Il convient toutefois de garder à l’esprit que les conflits dus à des décisions ou interprétations liées au travail et à des mesures disciplinaires justifiées ne doivent pas être considérés comme un comportement inapproprié.
La session suivante de l'AAP concernait la production avec un coordinateur de l'intimité pour des scènes délicates impliquant de la nudité, une activité sexuelle ou des abus, avec des exemples de cas en France et en Nouvelle-Zélande. L'objectif principal d'un coordonnateur de l'intimité est d'augmenter le niveau de connaissances pour assurer un environnement sûr et respectueux lorsque l'on travaille sur des scènes intimes afin de réduire les risques encourus. Le tout début du processus consiste à définir le contexte de la scène et ce qu'elle vise à transmettre sur la base d'une évaluation objective. Le coordonnateur de l'intimité agit comme interlocuteur du réalisateur pour raconter l'histoire qu'il souhaite raconter en toute sécurité.
Lors de la dernière session de l’AAP, les représentants de Saint-Gall et de Malmö ont tenté de répondre à la question de savoir comment gérer l’imprévisible, en luttant contre le stress et les heures supplémentaires au sein du processus de production. Améliorer la communication de la direction au sein de tous les départements était un enjeu clé. Savoir quand dire « non » à quelque chose est crucial au-delà de toute mesure. Malmö Opera vise à ne pas avoir plus de 3 productions en même temps, afin de garantir que le personnel soit vital et motivé. Donner à l’équipe technique des horaires stricts pour chaque département au début d’une production est un exemple de communication efficace au sein de l’entreprise.
Parallèlement aux sessions de l'AAP, Malmö a également été le lieu de la réunion du forum Audio-Visuel & Numérique. Les présentations tournaient autour de nouvelles techniques de tournage visant à offrir des expériences plus immersives. L'accent était mis sur le placement stratégique des caméras plus près de la scène sans déranger le public et les artistes. Des extraits ont été présentés pour illustrer ces techniques, qui impliquaient un mélange de plans de répétition avec des caméras sur scène et de plans de performances en direct utilisant des caméras placées parmi le public pour créer des vidéos immersives. Deux sujets principaux du domaine de l'opéra numérique ont également été explorés : l'utilisation d'applications spécialisées pour le public et le concept de Metaverse. L'Irish National Opera a présenté l'application Isolde : une solution basée sur le cloud conçue pour gérer et synchroniser les expériences audio et visuelles partagées pour les productions artistiques, dans le but de rendre l'opéra plus accessible et ouvert à de nouveaux publics. Une autre question clé abordée était de savoir comment rendre l'opéra plus attrayant pour les jeunes et l'adapter à leurs intérêts. Le projet Metaverse visait à y parvenir en créant une expérience d’opéra similaire au jeu, en se concentrant sur l’immersion 3D plutôt que sur le streaming traditionnel. Ce projet vise à connecter des personnes de différentes parties du monde pour obtenir un impact mondial. Il utilise des avatars personnalisés et un chat en direct interactif au sein d'un opéra divertissant d'une heure pour engager et captiver les jeunes générations.
La conférence d'automne a été un succès incontestable. Durant trois journées ensoleillées d'octobre, 380 participants ont pris part à 25 séances dans deux belles villes scandinaves. Nous savons où nous en sommes et quels défis nous attendent.
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