Il Covid ha generato vincenti e perdenti e, per quanto riguarda l’arte, coloro che sono riusciti a reinventare se stessi, in una sorta di logica darwiniana, sono i vincitori”
Questo giudizio recentemente espresso dal banchiere e filantropo John Studzinski è stato rimarcato ancor più nettamente lo scorso Agosto dall’imprenditore Ed Warner: “Qualunque sia il futuro, sono le imprese che fanno del loro meglio mentre la concorrenza esitava su quanto sarà restituito dai clienti - il pub che ha aperto il 4 luglio mentre gli altri restavano chiusi, il consulente che ha mantenuto un contatto regolare durante il lockdown, gli sport che hanno ritrovato il loro posto sullo schermo mentre altri consideravano persa l’estate. Si sono così create delle ottime reputazioni, mentre altre venivano irrimediabilmente perdute”.
Le arti dello spettacolo sono state particolarmente sensibili al divieto di raduni pubblici della scorsa primavera, ma la maggior parte ha dimostrato una resilienza tale da resistere, con la buona volontà e il sostegno delle parti interessate, alle improvvise chiusure di durata limitata. Per coloro che hanno lavorato così duramente per riaprire con programmi riconfigurati per la nuova stagione, la seconda chiusura è stata doppiamente scoraggiante. Ancor più per gli artisti privati dei loro mezzi di sussistenza. Come ha affermato Simon Rattle, "La cosa più importante non è solo sostenere i freelancer, ma dare loro un vero e proprio lavoro".
Le compagnie liriche sono state inventive nell'ideare programmi per mantenere il contatto con il pubblico. Le condizioni in costante mutamento li hanno costretti ad essere adattabili, e questo richiede sia denaro che tempo. Rimane tuttavia necessario guardare oltre gli ostacoli immediati e pianificare un futuro in cui il mondo sarà cambiato. Alcuni potrebbero sostenere che la scoperta dei vaccini e l'immunità di gregge che potrebbero eventualmente generare permetterà la ripresa delle vecchie abitudini. In alcuni luoghi ciò può accadere, ma per molti lo shock del 2020 agirà come un brusco risveglio o un veloce avanzamento verso le realtà che prevarranno nel secondo quarto del XXI secolo.
L'opera deve giustificare il suo legittimo posto nella società moderna. Il consenso ampiamente socialdemocratico che ha governato l'Europa durante la pace seguita alla seconda guerra mondiale si è infranto. I governi democraticamente eletti, che lottano per ripagare il debito accumulato durante l'assalto della pandemia, metteranno in discussione le proporzioni e i parametri dei sussidi pubblici e giustificheranno questi cambiamenti nella percezione sociale e nello scopo dell'opera. Invece di difendere il suo diritto a sopravvivere, l'opera deve dimostrare il valore che apporta alla società.
Quanto è sostenibile l'opera? La domanda può essere applicata al suo fragile modello economico, ormai indebolito dall'erosione della vendita dei biglietti. Ma ha anche delle implicazioni ambientali. Un'industria che dipende dalle coproduzioni internazionali, le tournée di grandi ensemble e gli artisti di globe-trotting non contribuisce certo all'agenda verde. I grandi teatri dovrebbero cercare attivamente di passare all'economia post-carbonio prima di essere costretti per legge a farlo. Quanti materiali vengono scartati piuttosto che riciclati, aggiungendosi ai rifiuti che depauperano il pianeta? L'Opera dovrebbe spostare il suo peso in prima linea anticipando gli sviluppi invece di reagire ad essi.
Paradossalmente, la soluzione sta nel diventare contemporaneamente più locale e più globale. Da un lato, dobbiamo coltivare e riciclare le risorse coltivate in casa; dall'altro, usare la tecnologia per condividere i risultati con il mondo.
Tra le scoperte del World Opera Day 2020 vi sono state la ricchezza di giovani talenti e l'apprezzamento dell'opera in sei continenti. Eppure, guardando alla composizione della maggior parte delle orchestre e a coloro che lavorano sul palcoscenico o dietro il palcoscenico, per non parlare della direzione o della sala del consiglio di amministrazione, dobbiamo riconoscere che l'opera ha una strada da percorrere prima di raggiungere un equilibrio sulla parità. Il paradosso consiste nel fatto che le uniche valute utili per un artista sono il talento e il duro lavoro, indipendentemente dal sesso, dall'etnia o dal background socio-economico. Negli ultimi anni si è assistito a una notevole crescita delle nomine di direttori d'orchestra donne, registe e manager, ma le opportunità di entrare nella professione sono troppo scarse per ampie fasce della società. Se da un giorno all'altro non si può creare un vero equilibrio, il processo verso di esso deve essere intensificato. Esempi di discriminazione positiva come la Birmingham Opera Company e l'orchestra Chineke! dimostrano che è possibile.
Il rapporto tra l'esecuzione dal vivo e la registrazione digitale è cambiato. Come può essere sfruttata a beneficio sia degli artisti che del pubblico? La trasformazione digitale comporta qualcosa di più di una performance in streaming a chi non può visitarla dal vivo in un teatro. OperaVision e altre piattaforme hanno fornito un'ancora di salvezza durante il blocco, ma non replicano l'esperienza dal vivo né generano entrate significative. Il modello di abbonamento a Netflix è allettante, ma non può essere semplicemente trapiantato nell'opera, anche se i produttori continueranno a esplorare le opzioni per monetizzare lo streaming, sia per i loro scopi commerciali che come potenziale payback per i diritti secondari di autori e interpreti. È improbabile che un sistema incrementale di questo tipo possa produrre ricompense degne di nota, in un ambiente dominato da YouTube e da altri siti sostenuti da introiti pubblicitari. Meglio riconoscere che viviamo in un mondo pluralistico, in cui un'esibizione non è un evento una tantum, ma un evento che può essere riconfezionato in miriadi di modi durante e dopo il suo specifico intervallo di tempo. Gli artisti di domani saranno obbligati, accanto alla formazione musicale e tecnica, a diventare più tecnici, il che contribuirà a scopi educativi e promozionali. È il debito che hanno nei confronti di una società che contribuisce a garantire la loro formazione e il loro impiego.
Opera Europa, insieme all'associazione filantropica FEDORA, sta lavorando a un'ambiziosa iniziativa per attrarre investimenti e aiutare la partenza in questo senso delle compagnie liriche in tutta Europa al fine di realizzare un cambiamento nei prossimi cinque anni in questi settori: sostenibilità, parità e trasformazione digitale.
I produttori di opere liriche possono impegnarsi a riformarsi, ma che ne sarà dei consumatori? Nessun riposizionamento o rebranding ne varrà la pena, se manca l'appetito. E se l'impatto della pandemia avesse fatto sì che gli artisti abbandonassero la loro carriera e che il pubblico cessasse di assistere alle rappresentazioni? Quanto possiamo estrapolare da quanto sta accadendo ora; e quanto sono affidabili le previsioni per il futuro?
Gli esseri umani dedicheranno sempre più tempo al tempo libero piuttosto che al lavoro. Questo è stato previsto da John Maynard Keynes nel 1930 nel suo Economic Possibilities for our Grandchildren (Possibilità economiche per i nostri nipoti), 15 anni prima di contribuire a fondare l'Arts Council of Great Britain. La riduzione dell'orario di lavoro previsto dalla legge, la riduzione delle settimane lavorative, la riduzione delle settimane lavorative, il passaggio all'economia del lavoro, lo sviluppo dell'Intelligenza Artificiale, sono tutti fattori che contribuiscono alla crescita del tempo discrezionale di cui godranno i nipoti di Keynes. Ma ci sarà una forte competizione per una parte di quel tempo. Come si posiziona l'opera sul mercato?
Proviamo a immaginare quali saranno i gusti delle generazioni future, meno abituate a passare tre ore in un teatro buio. Perché chi ha il tempo, il denaro e l'inclinazione dovrebbe scegliere l'opera dal menu culturale? Può sembrare una proposta ardua per chi è cresciuto con l’ampia presenza dei social media. Ciò significa che vorranno assorbire l'opera a pezzettini prima di rischiare l'immersione totale? La tendenza del teatro parlato e della danza moderna si è già spostata verso programmi più brevi della durata di 70-90 minuti. Recenti rappresentazioni liriche a prova di Corona senza una pausa per il rinfresco hanno offerto opere in un atto o versioni abbreviate.
In quale fase l'opera abbraccerà la realtà virtuale? Le possibilità tecniche si stanno sviluppando rapidamente e a un certo punto è probabile che si trovi un mercato di massa. Quando sarà il momento ottimale per le compagnie liriche per investire: presto, o dopo aver aspettato che gli altri commettessero prima degli errori? Il compositore e regista olandese Michel van der Aa è un pioniere europeo, e la sua prossima opera Upload è in programma per il Opera Forward Festival di Amsterdam questa primavera. L'avventura della Dutch National Opera, condivisa con Colonia, Bregenz e l'Armoury di New York, è da accogliere con entusiasmo. Il pericolo di rimanere fedeli alle forme tradizionali è quello di lasciare un'apertura per un imprenditore senza conoscenze di opera per appropriarsene e trarre così vantaggio da una lacuna nel mercato.
Mentre la tecnologia può soppiantare alcuni lavori, è improbabile che gli interpreti siano sostituiti dall'Intelligenza Artificiale. Ma potrebbero aver bisogno di diventare più versatili. Esistono grandi istituzioni che legano insieme compagnie di opera e balletto che occupano due o più teatri nelle grandi capitali, ma possono generare pratiche restrittive e ostacolare il cambiamento. Può essere più facile ristrutturare aziende di piccole o medie dimensioni su linee più flessibili. Bernard Foccroulle sostiene la nomina di una selezione diversificata di Artists-in-Residence per periodi di 3 anni, per agire come motore di idee innovative all'interno dell'organizzazione.
Si sta già sviluppando una controcultura di persone che scartano i loro smartphone per passare del tempo di qualità con le comunità. Questo incoraggia l'abbattimento delle barriere tra dilettanti e professionisti. L'opera partecipativa ha il potere di coinvolgere coloro che non si sarebbero mai aspettati di divertirsi semplicemente guardando o ascoltando l'opera. Favorisce sia l'aspirazione che la proprietà.
L'opera non sopravviverà se tira su il ponte levatoio. Senza compromettere gli standard, deve essere aperta a partnership con emittenti, produttori cinematografici e altri media digitali. Se fossi ora direttore artistico di un teatro d’opera, sceglierei di investire in un nucleo composto da una dozzina di giovani cantanti, oltre a musicisti e artisti creativi adattabili, per formare un gruppo flessibile in grado di eseguire un mix di pezzi storici e contemporanei ovunque all'interno di una determinata area geografica. E cercherei di stringere alleanze con la televisione, la radio, il cinema e i servizi di streaming; con le scuole, i college, i centri ricreativi e le autorità locali; il tutto con lo scopo comune di diffondere l'opera in una circoscrizione più ampia e diversificata.
Altri avranno ambizioni diverse. Alcune delle mie previsioni si riveleranno false. In ogni caso, meglio che ci siano più tentativi. Ma sono abbastanza certo che l'opera dovrà reinventarsi in se stessa se si vuole sopravvivere come specie nell'era digitale.
Nicholas Payne
Questo testo è stato scritto per l’edizione digitale di gennaio della rivista OPERA ed è pubblicato qui con il permesso del suo editore.