Conferenza d’autunno – Acque Agitate
Il primo giorno della conferenza nello spettacolare Teatro dell'Opera di Copenaghen è stato aperto da Kasper Holten, amministratore delegato del Det Kongelige Teater.
Il suo discorso programmatico è stato una presentazione coinvolgente, stimolante, stimolante e spiritosa del suo punto di vista sulle sfide della gestione di un teatro d'opera oggi. Come possiamo essere rilevanti mentre competiamo con altre forme di arte e intrattenimento, molte delle quali non esistevano nemmeno per la maggior parte dei 400 anni di storia dell'opera? Come rivolgersi a gruppi diversi in una società che cambia? Come gestire un'istituzione in un ambiente difficile, in modo che rimanga finanziariamente stabile ed efficiente? Il discorso di Kasper è stato un perfetto punto di partenza per il programma di quest'anno, basato sulla grande domanda: come dobbiamo guidare le nostre "navi" in acque agitate?
"Esprimere un desiderio per incoraggiare la creazione nell'opera" è stata la richiesta della moderatrice Hannah Griffiths ai relatori della prima sessione, che hanno "soffiato sulle candele" affinché le opere liriche diventino più sensibili e pertinenti al tempo presente e alle sue sfide. Le sfide includono la generazione di molti nuovi posti nei prossimi anni e la nascita di artisti promettenti che potrebbero godere di carriere lunghe e prosperose, il tutto promuovendo al contempo la collaborazione e la connessione con il pubblico. Gli artisti emergenti hanno bisogno di sostegno, tutoraggio e guida per muovere i primi passi nel settore e di un ambiente che favorisca la creatività. Hanno anche bisogno del tempo e dello spazio necessari per sviluppare il loro mestiere e dovrebbero essere sostenuti da una prospettiva di "slow cooking". Dovremmo tutti puntare a essere luoghi di lavoro che permettano la sperimentazione e l'assunzione di rischi, dove gli artisti possano esprimersi pienamente senza la paura di fallire. In termini di sviluppo del pubblico, i teatri sono incoraggiati a spostare le nuove produzioni dai palcoscenici più piccoli a quelli principali e ad allontanarsi dalla sicurezza delle opere tradizionali e conosciute. Questo cambiamento di mentalità, da "ottenere un pubblico" a "creare un pubblico", è essenziale.
Contemporaneamente alle sessioni principali, il Teatro dell'Opera di Copenaghen ha ospitato una riunione del nostro Forum Tecnico e di Produzione, che si è svolta nei primi due giorni della conferenza. I responsabili tecnici di diverse compagnie associate hanno discusso le sfide legate alla pianificazione e al finanziamento di ristrutturazioni, modifiche tecniche e rinnovamenti nei loro teatri. Hanno cercato di definire l'equilibrio tra produzione efficiente e compressione delle risorse, nonché di affrontare il tema della diversità all'interno dei team tecnici. Questa parte della conferenza ha incluso un'affascinante visita agli impressionanti spazi del backstage della casa.
I partecipanti alla prima sessione del secondo giorno della conferenza rappresentavano alcune delle nostre compagnie membre leader nella trasformazione orientata alla sostenibilità. Qual è uno dei problemi più scottanti per i teatri d'opera di tutto il mondo? L'impatto finanziario dell'aumento dei costi energetici e delle scelte produttive sostenibili. Le compagnie hanno cercato, e molto spesso applicato con successo, modi innovativi per limitare il consumo di elettricità. È emersa chiaramente una differenza nella situazione di alcune compagnie in base alla struttura di approvvigionamento energetico dei rispettivi Paesi, come ad esempio la proporzione tra combustibili fossili e fonti rinnovabili (Francia vs. Svezia). Le idee per affrontare queste sfide includono innovazioni tecniche per gli edifici e le fasi, nonché attività più innovative, come le partnership con le istituzioni pubbliche e i fornitori di energia.
Purtroppo, un numero sempre maggiore di nostri membri deve affrontare tagli impegnativi e, allo stesso tempo, deve coltivare il sostegno pubblico. Una delle sessioni principali era dedicata a questo tema urgente ed è stata una discussione entusiasmante che ha coinvolto l'intera sala. Siamo tutti d'accordo sul fatto che la creazione di uno strumento di advocacy ampiamente applicabile sarebbe una buona strategia per affrontare queste sfide, in linea con la recente decisione di Opera Europa di istituire un comitato del consiglio di amministrazione.
Chi sono i giovani che scelgono di intraprendere una carriera nel mondo dell'opera e che tipo di formazione si dovrebbe offrire loro? Come possono i programmi per giovani artisti essere creativi nel garantire la sostenibilità della nostra forma d'arte? Il World Café sui programmi per giovani artisti ha raccolto diversi feedback e prospettive da parte degli stessi artisti emergenti e da parte di teatri che stanno avviando o hanno già da tempo una struttura per gli artisti emergenti. Questo include la creazione di un ambiente sicuro in cui gli artisti possano esprimersi, sperimentare e commettere errori. Il processo di audizione deve essere concepito in modo da consentire un tempo sufficiente per conoscere gli artisti, tenendo conto anche della diversità e dell'inclusione. La mentorship e i rapporti continuativi con gli artisti dopo la conclusione dei nostri programmi sono fondamentali; i partecipanti dovrebbero essere incoraggiati alla mobilità tra diverse compagnie d'opera. Una delle raccomandazioni suggerisce che Opera Europa potrebbe anche agire come risorsa e rete di supporto per gli artisti emergenti.
Le competizioni sono un elemento sottovalutato per il futuro dell'industria lirica? I relatori del panel li hanno definiti "il male necessario". Li considerano una via di mezzo tra un modo efficace per gli artisti di esporsi e un modo per svalutare l'arte. I concorsi sono stati creati per dare la possibilità a chiunque di essere esposto al settore, cosa che oggi non avviene più con i social media. Poiché la competizione artistica è puramente soggettiva, può esistere un test metrico olistico su come le canzoni devono essere interpretate? Piuttosto che generare un allarme prima della parola "competizione", l'esperienza dovrebbe essere un arricchimento.
I costi delle produzioni liriche sono aumentati, in particolare in seguito alla pandemia di Covid-19. I teatri e i teatri d'opera di tutto il mondo hanno sopportato oneri finanziari in quel periodo. Tuttavia, un'altra sessione ha affrontato l'attuale fase di ripresa e la ricerca attiva di fonti di entrate alternative per garantire la sostenibilità a lungo termine. Ciò include la collaborazione con i leader aziendali, la coltivazione di relazioni con amici e sostenitori e l'esplorazione di nuove strade. Per rendere i teatri d'opera più attraenti per gli investitori e i partner commerciali, la freschezza e l'innovatività dei progetti dovrebbero essere un fattore chiave. Sostenere partnership a lungo termine con questi collaboratori è fondamentale. Ciò si può ottenere invitandoli regolarmente a partecipare, adattando i progetti per mantenerli coinvolti e investendo tempo e gestione sufficienti per realizzare l'interesse comune per l'arte come mezzo per arricchire la società. Le istituzioni stanno anche riducendo i costi attraverso coproduzioni e affitti e trovando nuove entrate nel merchandising, nei tour, negli eventi speciali e nelle esperienze gastronomiche.
La rappresentazione serale del Don Giovanni all'Opera di Malmö, l'ospite meravigliosamente ospitale dell'ultimo giorno della conferenza, è stata l'occasione perfetta per aprire le sessioni del forum artistico e di produzione con una discussione sugli stereotipi di genere e razziali nell'opera. Il soprano Natasha Agarwal ha ricordato al pubblico che non c'è nulla da guadagnare con il typecasting; i cantanti di colore dovrebbero avere l'opportunità di essere scritturati in tutti i ruoli.
Sebbene sia meraviglioso rappresentare la propria cultura attraverso l'opera, non può essere l'unico spazio in cui il cantante può esistere. Uno dei punti chiave della sessione è stato quello di riconoscere che la diversità non dovrebbe limitarsi al solo casting: le persone che prendono le decisioni creative dovrebbero conoscere bene le culture rappresentate nelle produzioni, poiché gli stereotipi derivano da una comprensione insufficiente. Non si tratta di decisioni giuste o sbagliate: si tratta di dialogo. "Nulla dell'opera è particolarmente realistico, quindi in termini di casting non può essere paragonato alla TV e ai film, dove ci si aspetta che le famiglie abbiano lo stesso aspetto; sul palcoscenico, dobbiamo fidarci del fatto che il pubblico usi la propria immaginazione", ha detto Natasha al pubblico applaudito.
La sessione su un ambiente di produzione sicuro ha riguardato principalmente l'uso e i vantaggi di un codice di condotta per gli ospiti e il personale. Avere un codice di condotta formale è un modo per esprimere l'impegno a garantire che tutto il personale e gli ospiti siano trattati con dignità e rispetto. Alcune compagnie hanno presentato il loro codice di condotta allo staff a voce, ad esempio all'inizio di un periodo di prove, o presentando un documento da firmare all'inizio del rapporto di lavoro. I teatri che hanno partecipato al panel offrono al personale la possibilità di segnalare comportamenti inappropriati attraverso canali anonimi. Durante la discussione, molti partecipanti hanno concordato sul fatto che potrebbe essere utile creare una definizione di comportamento responsabile, in modo che sia chiaro al personale quali sono i valori desiderati della casa: sono stati citati integrità, onestà, apprezzamento, rispetto, educazione, inclusività, equità e creatività con libera espressione. Tuttavia, occorre tenere presente che i conflitti dovuti a decisioni o interpretazioni legate al lavoro e le azioni disciplinari giustificate non devono essere considerati comportamenti inappropriati.
La sessione successiva dell'AAP ha riguardato la produzione con un coordinatore dell'intimità di scene delicate che coinvolgono nudità, attività sessuale o abusi, con esempi di casi dalla Francia e dalla Nuova Zelanda. L'obiettivo principale di un coordinatore dell'intimità è aumentare il livello di conoscenza per garantire un ambiente sicuro e rispettoso quando si lavora su scene intime per ridurre i rischi correlati. L'inizio del processo consiste nel definire il contesto della scena e ciò che essa vuole trasmettere sulla base di una valutazione oggettiva. Il coordinatore dell'intimità agisce come un partner di dialogo per il regista per raccontare la storia che vuole raccontare in modo sicuro.
Durante la sessione finale dell'AAP, i rappresentanti di San Gallo e Malmö hanno cercato di rispondere alla domanda su come gestire l'imprevedibile, affrontando lo stress e gli straordinari all'interno del processo produttivo. Il miglioramento della comunicazione della direzione in tutti i reparti è stato un tema chiave. Sapere quando dire "no" a qualcosa è fondamentale oltre ogni misura. L'Opera di Malmö punta a non avere più di 3 produzioni in corso contemporaneamente, per garantire che il personale rimanga motivato. L'assegnazione al team tecnico di ore rigorose per ogni reparto all'inizio di una produzione è un esempio di comunicazione efficiente all'interno dell'azienda.
Parallelamente alle sessioni AAP, Malmö ha ospitato anche l'incontro del forum Audio-Visual & Digital. Le presentazioni hanno riguardato le nuove tecniche di ripresa volte a fornire esperienze più coinvolgenti. L'attenzione si è concentrata sul posizionamento strategico delle telecamere più vicine al palco senza disturbare il pubblico e gli artisti. Sono stati mostrati degli estratti per illustrare queste tecniche, che prevedevano un mix di riprese di prova con telecamere sul palco e riprese di performance dal vivo con telecamere posizionate tra il pubblico per creare video coinvolgenti. Sono stati inoltre esplorati due temi fondamentali nel campo dell'opera digitale: l'uso di applicazioni specializzate per il pubblico e il concetto di Metaverse. L'Irish National Opera ha presentato l'app Isolde: una soluzione basata su cloud progettata per gestire e sincronizzare esperienze audio e visive condivise per le produzioni artistiche, con l'obiettivo di rendere l'opera più accessibile e aperta a nuovi spettatori. Un'altra questione chiave affrontata è stata quella di come rendere l'opera più attraente per i giovani e allinearla con i loro interessi. Il progetto Metaverse si propone di raggiungere questo obiettivo creando un'esperienza lirica simile a quella dei videogiochi, concentrandosi sull'immersione in 3D piuttosto che sullo streaming tradizionale. Questo progetto intende mettere in contatto persone di diverse parti del mondo per ottenere un impatto globale. Utilizza avatar personalizzati e una chat interattiva dal vivo all'interno di un'opera divertente di un'ora per coinvolgere e affascinare le generazioni più giovani.
La conferenza d'autunno è stata un successo indiscutibile. Nel corso di tre soleggiate giornate di ottobre, 380 partecipanti hanno preso parte a 25 sessioni in due splendide città scandinave. Sappiamo a che punto siamo e quali sfide ci attendono.
Ci vediamo a Vienna!